Carlo Francesco Ridolfi

Nella settimana dedicata al cinema, ecco un elenco di film in cui gli insegnanti sono i protagonisti

Da La maestra di scuola, realizzato nel 1908 a Torino dalla Itala Film, al recentissimo Il cerchio di Sophie Chiarello, che ha meritatamente vinto il David di Donatello nella sezione “documentari”, i film che parlano di scuola e di insegnanti sono innumerevoli, al punto da farne un vero e proprio genere cinematografico.

L’attimo fuggente

Ve ne sono di famosissimi, come, ad esempio, l’assai ambiguo L’attimo fuggente (Usa, 1989) di Peter Weir.

Ambiguo perché il povero professor Keating, interpretato da Robin Williams, beneficia sì del rapido momento di protesta dei suoi studenti quando viene licenziato (“Oh, capitano, mio capitano!”), ma resta comunque licenziato e i rampolli della ricca borghesia statunitense tornano presto nei ranghi a proseguire il loro percorso per diventare classe dirigente probabilmente dedita a guerre e angherie varie.

(Qualcuno ha suggerito ironicamente di cambiare il titolo del film e chiamarlo L’attimo fuggito…).

Ventiquattro occhi

Ve ne sono di ingiustamente trascurati o dimenticati, come il magnifico Ventiquattro occhi (Giappone, 1954) di Keisuke Kinoshita, che racconta della giovane maestra Oishi che iniziata ad insegnare nel 1928 sull’isola di Shodo ad una classe di dodici allievi e fino al 1946, con la guerra e l’esplosione delle atomiche su Hiroshima e Nagasaki, lavorerà lasciando un ricordo indelebile nei suoi alunni, fino a lasciare l’insegnamento in polemica con le posizioni educative allora in voga (“Non vedere, non parlare, non ascoltare sono i precetti da insegnare ai nostri allievi per farli diventare bravi servitori del Paese”, dirà ad un certo punto del film, e ci sarebbe da riflettere se si tratti di costume pedagogico limitato al Giappone di un tempo).

Mi limiterò in questa sede a richiamare una decina di titoli, in semplice ordine alfabetico, di diversa provenienza e collocazione cronologica, rimandando ad un ben più completo e nutrito catalogo di film che trattano di scuola e di educazione, che è in preparazione con la collaborazione dell’insegnante e esperta di cinema Elisabetta L’Innocente, che dovrebbe ‘veder la luce’ nel prossimo anno con il titolo I bambini fanno la polvere.

L’amore che non scordo – Storie di comuni maestre (Italia, 2007) di Daniela Ughetta e Manuela Vigorita

Ci accompagna in un piccolo ma significativo viaggio, da Milano a Roma passando per Bologna, nel quale incontriamo quattro esperienze di insegnamento nella scuola primaria di grande interesse e peculiarità didattica e pedagogica.

Anghingò (Ole dole doff. Svezia, 1968) di Jan Troell

Descrive la passione e le difficoltà, non sempre sormontabili, di un insegnante di scuola media che combatte quotidianamente con le sue convinzioni etiche e con la realtà, a volte cruda, delle persone che si trova davanti.

Diario di un maestro (Italia, 1973) di Vittorio De Seta

A mio parere, uno dei capolavori assoluti del genere “scuola ed educazione al cinema”. Il grande regista siciliano (di cui quest’anno ricorre il centenario della nascita), si ispira al libro Un anno a Pietralata di Albino Bernardini, ma inserisce nell’opera, grazie al preziosissimo contributo di consulenza pedagogica che fornì Francesco Tonucci, moltissimi elementi provenienti dalle esperienze del Movimento di Cooperazione Educativa e, in particolare, di Mario Lodi.

Ne scaturisce così un film memorabile (con una memorabile interpretazione di Bruno Cirino), che descrive con precisione appassionata quella che potrebbe esser stata la strada da seguire per una vera innovazione della scuola italiana, purtroppo seguita, anche istituzionalmente, da una minoranza. 

Dottor Korczack  (Korczack. Polonia, 1990) di Andrzej Wajda

Racconta la vicenda di una delle figure più luminose dell’intera storia dell’educazione, quella di Janusz Korczack (nome d’arte del medico ebreo polacco Henryk Goldszmit) che si dedicò per tutta la vita ai bambini dell’orfanotrofio di Varsavia (scrivendo tra l’altro testi fondamentali quali Come amare il bambino e Il diritto del bambino al rispetto), fino al punto estremo di accompagnarli e perire con loro nel campo di sterminio di Treblinka.

Lavagne (Takthe Siah. Iran, 2000) di Samira Makkmalbaf

Descrive la fatica di un gruppo di maestri che, all’epoca della guerra tra Iraq e Iran, peregrinano con la lavagna sulle spalle alla ricerca di alunni e alunne ai quali proporre un’istruzione che sia anche appello alla convivenza.

Così come Non uno di meno (Yí ge dōu bù néng shǎo. Cina, 1999) di Zhang Yimou, attraverso la vicenda di una giovanissima (tredici anni) maestra per caso, che ,spinta inizialmente dalla promessa di un premio in denaro, scopre la valenza etica ed educativa che pone come priorità quella di non lasciare indietro nessuno.

Pesci combattenti (Italia, 2002) di Andrea D’Ambrosio e Daniele Di Biasio

Ci porta nel quartiere di Barra, periferia est di Napoli, dove un gruppo di insegnanti di scuola media lavora senza sosta per riportare a scuola ragazzini e ragazzine che rischiano altrimenti di essere travolti da una realtà sociale di enorme complessità.

Il ragazzo selvaggio (L’enfant sauvage. Francia, 1970) di Francois Truffaut

Insieme al Diario di un maestro di De Seta è, a mio parere, uno dei due film “obbligatori” per chiunque voglia occuparsi di scuola e di educazione, è il racconto dell’esperienza storica di Jean Itard, medico francese vissuto tra il 1774 e il 1838, che all’Istituto Nazionale per Sordomuti di Parigi seguì per anni Victor, il “ragazzo selvaggio dell’Aveyron, trovato a vagare nei boschi del Massiccio centrale.

Itard e il suo lavoro – descritti magistralmente dal grande autore francese, che qui interpreta anche il medico – furono di ispirazione da allora a chiunque si volesse occupare di soggetti in difficoltà, da Maria Montessori ad Adriano Milani Comparetti (fratello di Lorenzo Milani), neuropsichiatra infantile che ha contribuito a porre le basi per le più approfondite e innovative pratiche di assistenza e cura delle persone con disabilità.

La scuola non è secondaria (Italia, 2021) di Alberto Valtellina

È un documentario che riprende un liceo scientifico di Bergamo durante i mesi del primo lockdown dovuto alla pandemia di Covid19, con gli studenti e le studentesse a casa davanti al computer e il corpo insegnante a scuola a comunicare con loro attraverso i canali telematici.

Infine – ma, come detto, questo è solo un primo e del tutto approssimativo elenco – non posso fare a meno di citare una pietra miliare dell’intera storia del cinema come Zero in condotta (Zero de conduite. Francia, 1933) del grandissimo e purtroppo precocemente scomparso Jean Vigo, che, in grandissimo anticipo rispetto a quelle che saranno le sacrosante rivendicazioni dei movimenti studenteschi di tutto il mondo dal Sessantotto in poi, mette in scena una giocosa e liberatoria rivolta degli studenti (e degli insegnanti più attenti alla loro reale crescita che non alle formalità autoritarie) di un collegio.

E in questi tempi, in cui Il collegio è un tristissimo format televisivo che dovrebbe riportare in auge la “vecchia e sana scuola di una volta nella quale ci si alzava in piedi quando entrava l’insegnante”, forse rivedere e far rivedere un film come il capolavoro di Vigo non sarebbe affatto male.

Avevamo già parlato di questo tema in passato, trovi l’articolo qui!

Con Carlo Ridolfi parliamo di un interessante film da non perdere – disponibile su Prime Video – per affrontare e riflettere sul bullismo

Andando in cerca qua e là sul web e nelle varie piattaforme che, ormai, propongono centinaia di contenuti, tra film e racconti seriali, capita di incrociare produzioni che, alle persone attempate come il sottoscritto, fanno venire in mente – ed è un merito – quei film senza pretese ma con sicuro divertimento che hanno occupato molti pomeriggi domenicali in sale di parrocchia o di periferia. E’ il caso di Grosso guaio all’Esquilino – La leggenda del kung fu, diretto da Niccolò Celaia e Antonio Usbergo, coppia di registi che si firmano YouNuts, con Lillo Petrolo, Carolina Crescentini, Giorgio Colangeli e un bel gruppo di ragazzini e ragazzine. Un’occasione per affrontare e riflettere sul tema del bullismo.

Non conosco il budget di produzione del film (distribuito su Prime Video), ma, a vedere il risultato, posso immaginare che non sia stato proprio di primissimo livello.

Ispirandosi senza nemmeno troppa preoccupazione di celarlo a Karate Kid (1984) di John Avildsen e con qualche ironico rimando al Kill Bill di Quentin Tarantino, il film degli YouNuts ripercorre storie e temi già trattati mille volte, riuscendo tuttavia a mantenere le due ore di durata su un livello di divertimento e di simpatia più che accettabile.

Il merito va principalmente agli interpreti:

Sia adulti (Lillo su tutti, ovviamente, mattatore nel suo costante essere un anti-eroe, ma anche Carolina Crescentini e Giorgio Colangeli), sia adolescenti (in particolare le due “spalle” del giovane protagonista – Davide è il nome del personaggio – Riccardo Antonaci: Mario Luciani, spontaneo e irresistibile nella parte del giovanissimo Yang, che si sente “cinese dentro” e Ludovica Nasti – che consiglierei di tener d’occhio anche nei prossimi anni, perché promette tanto – alla quale basta una battuta del Romeo e Giulietta di Shakespeare per strappare l’applauso).

La trama e l’ambientazione

Più che la trama – un ex-attore fallito e sfrattato viene coinvolto come mentore e insegnante di arti marziali per fornire a un adolescente bullizzato gli strumenti per difendersi e conquistare la ragazza di cui è innamorato – sono da sottolineare sia l’ambientazione che i gustosissimi dettagli d’epoca.

Il rione Esquilino è quello che dalla stazione di Roma Termini si allarga a comprendere una vasta zona limitrofa al centro della capitale, nella quale spiccano, oltre a chiese e monumenti, zone di grande sperimentazione sociale multietnica come piazza Vittorio e ambiti educativi che ormai hanno una pluridecennale storia di partecipazione e ricchezza di proposte come la scuola “Di Donato”.

E’ in questo macrocosmo di lingue, colori, suoni e musiche che si inserisce il ristorante cinese nel quale lavorano le mamme di Davide e Yang e, soprattutto, il sottoscala in cui i due adolescenti si rifugiano, vero e proprio minimuseo di cimeli degli anni Ottanta, tra consolles di videogiochi ormai desueti e vhs di vecchi film di serie C sul kung fu.

Con il consueto e purtroppo generalizzato neo di un eccesso di turpiloquio (che sembra non voler mai esser abbandonato da troppi sceneggiatori contemporanei), il film rappresenta comunque una piacevole occasione di intrattenimento, mantenendo l’equilibrio tra piccolo racconto di formazione e riflessione mai pedante su cause ed effetti del bullismo.

Qui una lista di altri film da non perdere!

Dato che l’importante notte degli Oscar si avvicina, vi parliamo di “Le pupille” un bel film che merita la sua candidatura

Non so se vincerà l’Oscar come miglior cortometraggio – questo bellissimo “Le pupille” – di Alice Rohrwacher. Sicuramente, per quel nulla che conta, farò personalmente un tifo da stadio (di quelli belli, di quelli veri, di quelli da paese di un tempo), perché regista e film lo meriterebbero senza dubbio alcuno.

Chi è la regista

Alice Rohrwacher esordì nel lungometraggio già nel 2011 (e di anni ne aveva solo trenta), con un film di grande intelligenza e bellezza come Corpo celeste, nel quale dimostrava di saper trattare con delicatezza e profondità temi impegnativi come la religione, l’adolescenza, il mutar dei corpi femminili.

Dopo altri due film come Le meraviglie (20124) e Lazzaro felice (2018), oggi un regista famoso e pluripremiato come Alfonso Cuaròn la nota e ne apprezza il lavoro, sostenendola per la produzione di un corto reso disponibile da una corazzata della distribuzione come la piattaforma Disney+. 

Parliamo del film…senza fare spoiler

Ispirandosi ad una lettera scritta da Elsa Morante a Goffredo Fofi (la regista dice: “maldestramente”, ma il risultato dell’ispirazione smentisce l’understatement), Alice Rorhwacher mette in scena un piccolo racconto ambientato nell’Italia di provincia ai tempi del fascismo, dove le protagoniste sono le bambine ospitate in un orfanotrofio gestito da suore (la superiora è interpretata da Alba Rohrwacher, sorella della regista).

La vicenda non va raccontata, per non far perdere curiosità e meraviglia. Nei trentasette minuti regalati allo spettatore – che può essere sia un adulto che non ha perso lo sguardo da bambino, sia un bambino o una bambina che non pensano che solo il fracasso luminoso dei supereroismi cinematografici valga l’impegno di una visione – possiamo assaggiare e gustare l’infanzia, il teatro, la musica, la danza, la cecità degli adulti, le storie d’amore reali e quelle immaginarie, l’ossequio ai potenti e lo sberleffo agli stessi: il tutto intorno ad una torta in prossimità del Natale.

Ma c’è anche il cinema e i suoi princìpi psico-fisiologici di base e il cinema di animazione, che non richiede necessariamente iperstrumentazioni tecniche e investimenti multimiliardari, ma può esser reso possibile da un foglio e una matita e un paio di forbici.

Un cast quasi interamente al femminile

Sia per quanto riguarda l’interpretazione, tutto il gruppo delle bambine, con la piccola protagonista Serafina-Melissa Falasconi e una deliziosa e sognante ricca innamorata senza consolazione (Valeria Bruni Tedeschi), oltre alla superiora già citata.

Sia quello tecnico, la fotografia è di Hélène Louvart, il montaggio di Carlotta Cristiani, la scenografia di Emita Frigato e Rachele Meliadò, i costumi di Loredana Buscemi, le acconciature di Daniela Tartari e il trucco di Paola Gattabrusi, il montaggio sonoro di Daniela Bassani e Marzia Cordò, le musiche originali del collettivo di musica elettronica Cleaning Women e le melodie cantate di Norina Liccardo.

Al contrario di quello che dice una frase di un racconto (forse) per l’infanzia, qui l’essenziale è visibilissimo agli occhi (e alle orecchie), perché sia nell’imbastitura del racconto che nella sua trattazione Alice Rohrwacher ha messo tutta la sua grande e rara capacità di essere donna adulta che guarda come se fosse una bambina, non perdendo né il candore (peraltro non ingenuo) della seconda, né la saggezza (certo non supponente) della prima. Com’era – il riferimento forse è scontato, ma in questo caso decisamente congruente – in Francois Truffaut.

E le nostre pupille restano aperte e ammaliate dall’inizio alla fine.

Sempre in tema film, non perdetevi gli ultimi titoli, da poco usciti, adatti a tutte le fasce d’età, scoprili qui!

Scopriamo insieme alcuni dei nuovi film in uscita adatti a tutte le fasce d’età.

Eccoci all’anno nuovo, come sempre denso di incognite e di promesse. Provo a indicare alcuni dei titoli di film in uscita sul grande schermo nelle prossime settimane, a parer mio adatti a una visione per le fasce di età che cerco di precisare.

La fata combinaguai

A metà gennaio è uscito La fata combinaguai, film di animazione tedesco con la regìa di Caroline Origer. Adatto anche a bambini e bambine piccoli (dai quattro anni) è la storia di Violetta, fatina dei denti dotata di molta buona volontà ma anche causa di un sacco di pasticci.

Grazie ragazzi

Nello stesso periodo è uscito sugli schermi il remake italiano di un bel film francese (Un triomphe, 2020 di Emmanuel Corcoul), Grazie ragazzi, di Riccardo Milani, con Antonio Albanese come protagonista. E’ la storia (ispirata ad una vicenda realmente accaduta) di un attore disoccupato che accetta l’incarico di mettere in scena Aspettando Godot di Samuel Beckett con un gruppo di carcerati. (E’ più adatto a ragazzini un po’ più grandi, dai 12 anni in su).

Mary e lo spirito di mezzanotte

A febbraio sarà disponibile il nuovo film di Enzo D’Alò (già regista de La gabbianella e il gatto e di altri lungometraggi più che interessanti). Mary e lo spirito di mezzanotte (tratto dal bel romanzo La gita di mezzanotte di Roddy Doyle), che dovrebbe andar benissimo per un pubblico di età da scuola primaria. E’ la storia dell’undicenne Mary, che sogna di diventare un grande cuoca e che per realizzare il suo sogno farà un lungo viaggio oltre le barriere del tempo. 

Mummie – A spasso nel tempo

Sempre a partire dalla stessa fascia di età e sempre con il linguaggio dell’animazione, sempre a febbraio potremo vedere una produzione spagnola, Mummie – A spasso nel tempo, di Juan Jesùs Garcia, seguendo le avventure di un simpatico quartetto di mummie che approdano nella Londa contemporanea alla ricerca di un anello rubato.

Champions

A marzo, per ragazzi e ragazze dell’ultimo anno di primaria e dei primi anni della scuola media, uscirà Champions, di Bobby Farrelly, nel quale Marcus, un allenatore di basket travolto dall’alcolismo (interpretato da Woody Harrelson) sarà inviato per punizione dai servizi sociali ad allenare una squadra di disabili e scoprirà che l’esperienza potrebbe far molto bene sia a loro che a lui.

Le terme di Terezin

Film certamente più impegnativo – e per questo indicato per un’età che vada almeno dai 14 anni – (previsto in distribuzione nelle sale cinematografiche per aprile) è Le terme di Terezin, di Mauro Conte. Si racconta qui la storia di Antonio, clarinettista italiano, e di Martina, violinista cecoslovacca, due innamorati che vengono deportati nel ghetto di Terezin, a una sessantina di chilometri da Praga. Tristemente famoso per esser stato una specie di terribile luogo di rappresentanza, nel quale i nazisti facevano mettere in scena ai prigionieri una vita falsamente felice, a beneficio delle missioni di inchiesta della Croce Rossa, Terezin è uno dei luoghi della memoria della Shoah che anche questo film può contribuire a non far dimenticare.

Il faraone, il selvaggio e la principessa

A giugno, a conclusione della prima parte di una stagione che si annuncia molto interessante, sarà sugli schermi il nuovo film di animazione del grande regista francese Michel Ocelot: Il faraone, il selvaggio e la principessa. Tre storie – adatte dai 6 anni in su – con ambientazioni storico-geografiche diverse: la prima nell’antico Egitto, la seconda nella Francia medievale, la terza nella Turchia del diciottesimo secolo. 

Un altro film da non perdere, uscito da poco, il nuovo Pinocchio di Guillermo del Toro, ne avevamo parlato qui!

È uscito da poco il “nuovo Pinocchio” di Guillermo del Toro…parliamone insieme!

Il racconto di Pinocchio di Collodi è senza dubbio un grande classico non solo della letteratura, ma anche dell’illustrazione e del cinema. A partire dalla prima versione, girata nel 1911 da Giulio Antamoro con Ferdinand Guillaume nei panni del burattino.

65 versioni cinematografiche, passando per quella a disegni animati del 1940 della Walt Disney (splendida, con le magnifiche musiche di Leigh Harline e Paul J. Smith, ancorché con una curiosa ambientazione tirolese; versione ripresa lo scorso anno in live action da Robert Zemeckis con un film brutto fino all’imbarazzante). Ma anche per quelle italiane più recenti di Roberto Benigni prima e di Matteo Garrone poi.

Se dovessimo stilare una classifica…

Piazzeremmo al primo posto ancora e sempre quella televisiva di Luigi Comencini (1972, con le musiche di Fiorenzo Carpi e Nino Manfredi come Geppetto). Ma assegneremmo oggi il pari merito al capolavoro in stop-motion di del Toro e Gustafson.

Prima di tutto per la scelta di realizzare il film con l’ausilio del digitale come “facilitatore” tecnico – ma non assegnando ad esso la priorità espressiva – interamente con marionette animate a passo uno.

Per questo ci sentiamo di consigliare anche la visione dei trenta minuti di speciale, disponibili sempre su Netflix, nei quali si riassumono le fasi tecniche della produzione.

La volontà espressiva di Guillermo del Toro

Scelta, come ha dichiarato lo stesso Guillermo del Toro, che è stata innanzitutto dettata da una volontà espressiva.

Un burattino in un mondo interamente fatto di burattini e marionette fa risaltare ancor meglio le caratteristiche che lo rendono diverso dagli altri.

E’ poi praticamente impossibile render conto dello splendore della realizzazione tecnica sia dei personaggi che degli ambienti che delle fasi di riprese. Perché bisognerebbe analizzare sequenza per sequenza, se non persino fotogramma per fotogramma.

Non la solita riproduzione pedissequa dei personaggi

Non ci si attenda una riproposizione pedissequa dei vari passaggi del racconto collodiano.

Anzi: assume una rilevanza fondamentale la figura del Grillo parlante, non c’è la Fata turchina, il Gatto e la Volpe vengono riassunti in un unico e originalissimo personaggio, Mangiafuoco diventa una comparsa e così via.

Ci piace qui ricordare – senza rivelazioni che rovinino il gusto di una visione indispensabile e forse anche da ripetere più volte per gustare meglio i mille particolari del film – come è stata costruito il personaggio di Lucignolo.

In un modo che non solo risulta perfettamente coerente con il tipo di storia che si è scelto di raccontare, ma che è davvero inedito e sorprendente.

Forse – è una interpretazione personale, suscettibile di esser smentita in futuro – con questo suo Pinocchio Guillermo del Toro ha voluto concludere una trilogia sul fascismo e sulla morte.

Iniziata con due splendidi film come La spina del diavolo (2001) e Il labirinto del fauno (2006), non a caso entrambi ambientati in Spagna durante la Guerra civile, e posta a compimento con questo capolavoro.

Il fascismo, come lo ha definito Roland Barthes, inteso non tanto come impedimento a dire e ad esprimersi, ma come costrizione a dire tutti le stesse cose e ad esprimersi tutti nello stesso modo.

In questo senso Pinocchio è antifascista in modo programmatico e strutturale, in quanto ciocco di legno che ha preso vita e che deve imparare a dire e ad esprimersi in forme e linguaggi affatto diversi dalla maggioranza succube o acquiescente.

E lo può fare perché appartiene di diritto al territorio del fantastico, nel quale la morte è abitante con piena cittadinanza.

Anzi, ne è elemento imprescindibile, perché senza il senso della morte e le mille funambolerie ideate per sfuggirle il fantastico non esisterebbe proprio. 

Ma il Pinocchio di Guillermo del Toro è un film per bambini?

La domanda classica che sorge sempre a questo punto… No, verrebbe da dire, se dei bambini e delle bambine continuiamo ad avere un’idea stereotipata e li pensiamo come esseri incapaci di appassionarsi al mistero della vita.

Come esseri da tenere in una zona di conforto – spesso ingannevole e falsa quanto le mille occasioni di consumo effimero alle quali li sottoponiamo – nel quale siano garantiti buoni sentimenti, assenza di conflitti e lieti fini. 

E invece sì, altroché se lo è, vorremmo ribadire. Forse facendo attenzione alle fasce di età più tenere (diciamo scuola dell’infanzia). Perché Guillermo del Toro è regista che ama anche momenti di oscurità e di tensione.

Ma da lì in poi – sempre con adulti al fianco, perché questa è secondo noi regola imprescindibile di ogni visione approfondita – questo è un film che non dovrebbe mancare nella cultura cinematografica di ogni bambino e di ogni bambina.

La figura di Pinocchio ritratta dal regista

E c’è, come ultima di una serie di notazioni che non esauriscono quelle possibili, la questione di Pinocchio come figura cristologica.

Suggeriamo solo (nulla va rivelato per non guastare il gusto della visione) di fare attenzione al braccio del crocifisso costruito all’inizio della storia da Geppetto per la chiesa del paese in cui abita con il figlio Carlo (poteva chiamarsi in un altro modo, vista la paternità letteraria del racconto?) e al braccio del burattino nella sequenza che precede il finale.

Nella – apparentemente semplice, ma con tutta evidenza meditata a lungo e con un’efficacia narrativa e di senso insuperabile – scelta di metter l’accento su una mancanza, sta tutta la forza del grande cinema di portare in primo piano, agli occhi e nella mente dello spettatore, qui davvero invitato a formare con il suo sguardo tutta l’intelligenza del racconto, una presenza.

Cos’ha, ancora, da dirci, una favola come Cenerentola? Ce ne parla Carlo Ridolfi.

Cos’ha, ancora, da dirci, una favola come Cenerentola? Portato sullo schermo più volte, il racconto di Charles Perrault potrebbe apparire logoro e anacronistico.

Ma la forza dei classici è proprio quella di poter essere reinventati più e più volte, senza perdere in fascino e fantasia.

È il caso della versione sceneggiata e diretta da Kay Cannon e ora disponibile su Amazon Prime Video.

Prima di tutto Cenerentola (Camila Cabello) non è la solita infelice orfana che vive con matrigna e sorellastre e sogna di diventare una principessa. Adesso è una ragazza molto sicura di sé, che ha come obiettivo quello di diventare disegnatrice e realizzatrice di abiti.

Così come la stessa matrigna Vivian (Idina Menzel) ha in realtà un passato da musicista di talento, frustrato per le ristrettezze del ruolo casalingo che si è trovata a dover ricoprire.

E il principe Robert (Nicholas Galitzine) sarà così lontano dallo stereotipo del belloccio figlio di papà da rinunciare alla successione dinastica per vivere il suo amore con Cenerentola, seguendola nella sua attività professionale.

Giocato dall’inizio alla fine sul registro del divertimento e dell’ironia, il film di Kay Cannon è un musical che utilizza sia composizioni originali (di Mychael Danna e Jessica Weiss), sia riproposizioni di grandi successi della musica pop, come Somebody To Love dei Queen, Material Girl di Madonna o Seventh Nation Army degli White Stripes (resa famosissima come coro da stadio a partire dai mondiali di calcio del 2006).

E sono davvero irresistibili i momenti in cui compare in scena una fata madrina interpretata da una “fata” icona gay come Billy Porter.

Madrina che, a sua volta, trasforma i tre topolini amici di Cenerentola in tre nevroticissimi e pasticcioni e simpaticissimi valletti che la accompagnano al ballo (interpretati da Romesh Ranganathan, James Acaster e da quel James Corden, attore e presentatore inglese, di cui si possono trovare in rete spassosissime riproposte dei musical più famosi della storia, interpretate per strada).

Camila Cabello esce da X-Factor Usa. Tra i ballerini c’è anche Giuseppe Giofré, che ha cominciato la sua carriera in Amici di Maria De Filippi.

È la televisione che riproduce se stessa, rimanendo comunque a livelli di competenza artistica e professionalità che, soprattutto negli standard del grande spettacolo americano, sono irrinunciabili.

È intrattenimento di ottima qualità, che permette di passare un paio d’ore tra buona musica, coreografie coinvolgenti e sana, sanissima, ironia che decostruisce i luoghi comuni e le pigrizie intellettuali.

Carlo Ridolfi consiglia due pellicole sulla famiglia che vale la pena vedere!

La famiglia è, naturalmente, uno dei soggetti preferiti da chi racconta storie per immagini in movimento. Le dinamiche tra genitori e tra genitori e figli si prestano benissimo, offrendo la possibilità di rappresentare conflitti, dispute, comprensioni e rappacificazioni, a sviluppare narrazioni spesso appassionanti e divertenti.

È il caso di due film che vorrei segnalare questo mese, entrambi disponibili su Netflix, quasi due gioiellini di comicità e tenerezza.

Over the Moon – Il fantastico mondo di Lunaria

Il primo si intitola Over the Moon – Il fantastico mondo di Lunaria, ed è una coproduzione statunitense-cinese, in animazione CGI, con la sceneggiatura di Audrey Wells e la regia di Glen Keane.

Over the Moon è la storia di una famiglia che deve ricostruirsi. Fei Fei, la piccola protagonista, vive col padre dopo che una malattia ha portato via l’amatissima madre e moglie. Il padre, che gestisce un piccolo negozio di cibo cinese, dopo qualche tempo si innamora di un’altra donna, che ha un figlio, Chin.

Il film vive quindi su un costante doppio binario narrativo: la passione di Fei Fei per la leggenda della dea della luna, Chang’e, e i suoi ricorrenti scontri col fratellino acquisito, che fatica moltissimo ad accettare.

Grazie ad un’altissima qualità di animazione e a una vicenda che si snoda senza intoppi, Over the Moon è un film che ci parla della crescita, faticosa ma decisa, di una bambina che davvero rimane presente nella nostra memoria come esempio di tenacia e di maturità.

I Mitchell contro le macchine

Il secondo film – devo dire che da tempo non si rideva così guardando un lungometraggio – è I Mitchell contro le macchine, scritto e diretto da Mike Rianda e Jeff Rowe, anch’esso in animazione CGI.

In questo caso il conflitto al centro della storia è quello tra Katie Mitchell, un’adolescente appassionatissima di realizzazioni cinematografiche e video, che sta per trasferirsi al college, e suo padre Rick, ancorato ad una vita analogica, che non riesce a comprendere le passioni della figlia. Insieme a loro vivono la moglie/madre Maya, il figlio/fratellino Aaron e il buffo cane Monchi.

Quando il mondo intero viene sconvolto da una ribellione dei marchingegni elettronici, a capo della quale sta una cattivissima “app” che non ha sopportato di esser stata relegata nei softares obsoleti, i Mitchell troveranno il modo di superare i loro conflitti e di allearsi per sconfiggere la minaccia di distruzione che incombe.

Pieno di trovare esilaranti e di battute di dialogo di grande intelligenza (cito solo la migliore, quando a Maya viene detto che si sta comportando benissimo nella durissima battaglia contro i robot, lei risponde: “Sono una maestra elementare, vedo di peggio tutti i giorni a scuola!”), I Mitchell contro le macchine è uno di quei, purtroppo rari, film, che può esser visto, come si sarebbe detto una volta, da grandi e piccini con pari divertimento e uguale possibilità di riflessione e analisi a diversi livelli di contenuto.

Due film che fanno pensare divertendo, come nei migliori casi della produzione cinematografica internazionale.

Con Carlo Ridolfi ci addentriamo nel mondo degli “anime” giapponesi.

Vorrei rivolgermi a coloro che, come me, sono genitori di ragazzi o ragazze adolescenti. È un’età della vita, lo sappiamo sia per esperienza diretta che per acquisizione culturale, complessa e complicata.

La pandemia, inoltre, ha collaborato in negativo per renderla ancora più ardua sia per chi la sta attraversando, sia per mamme, papà, fratelli o sorelle che vivano insieme al ragazzo o alla ragazza adolescente.

La tendenza quasi spontanea a rimanere chiusi nelle proprie camerette, quasi sempre incollati a strumenti di comunicazione digitale vari (computer, tablet, smartphone, videogames), comunicando solo con i pari-età, è stata moltiplicata all’ennesima potenza dalle chiusure di vario tipo sofferte in questi mesi.

Cosa guardano, i nostri figli e le nostre figlie di 13-14-14 anni?

Non è facilissimo saperlo, perché molto spesso gli adulti vengono chiusi fuori dalle camerette in tutti i sensi: fisico, culturale, dialogico.

Possiamo provare, quindi, a fare un breve e certamente non esaustivo excursus sull’offerta a loro destinata, ipotizzando che si rivolgano principalmente ad essa.

Guardano di sicuro molte serie a disegni animati, quasi sempre di produzione giapponese.

Non sono più i tempi, vorrei sperare, di manifestazioni di genitori indignati contro Mazinga Z, come succedeva all’inizio degli anni Ottanta. Dovremmo aver imparato, anche perché molti che sono genitori oggi erano adolescenti proprio in quel periodo, che dal Giappone arrivano spesso anche produzioni di grandissima qualità sia visiva che narrativa.

Gli “anime”

Gli (mi raccomando, non “le”) “anime” giapponesi sono tutt’altro che liquidabili con la  definizione di cartone animato, che sottintende quasi sempre sia una connotazione di “racconto per bambini”, sia quella di “racconto semplice e immediato”.

Ciò che i ragazzini o le ragazzine cercano e guardano non sono sicuramente né racconti semplici né produzioni per l’infanzia.

Serie come  Naruto, che deriva dal manga di Masashi Kishimoto (un dodicenne che aspira a diventare il ninja più importante) o L’attacco dei giganti di Hajime Hisayama (tre amici d’infanzia che lottano contro enormi nemici in un mondo apocalittico). Avvincono per complessità delle trame, caratterizzazione dei personaggi, identificazione possibile con i combattimenti simbolici con se stessi e con gli altri che sono propri di quella età.

Non corrispondono esattamente ai gusti e alle preferenze di noi adulti? È normale. Anzi: quando mai i giornalini letti, i film visti, la musica ascoltata dagli adolescenti hanno avuto l’approvazione incondizionata di genitori e insegnanti? (Basta che ciascuno di noi torni con la memoria al se stesso a quella età e si avrà la risposta).

L’importante, come sempre, è conoscere. Senza pregiudizi, senza paragoni privi di senso con presunte età dell’orto precedenti. (“Ai miei tempi sì, c’erano cartoni divertenti, fumetti interessanti, bella musica”, è frase sicura per chiudere qualsiasi tipo di comunicazione).

Film e cartoon per trascorrere in famiglia la serata di Halloween

Da qualche anno anche da noi in Italia ottobre è il mese che si conclude con Halloween. Festa di origine celtica, importata negli Stati Uniti e diventata un appuntamento fisso per ragazzini e ragazzine, per quelli della mia generazione era legata alle strisce dei Peanuts di Charles Schulz nelle quali venivano raccontate le peripezie di Linus alle prese con il Grande Cocomero.

La notte della vigilia di Ognissanti, per un particolare affastellarsi di tradizioni popolari, credenze precristiane ed elaborazioni narrative, è diventata sinonimo sia di divertimento che di racconto di paura.

Non dobbiamo stupirci, fatta la tara di tutto il calcolo commerciale che è stato evidentemente compiuto su questa scadenza, che i racconti di paura, o dell’orrore, rivestano un particolare fascino per ragazzini e ragazzine. La paura è emozione fondamentale per l’essere umano fin dalla notte dei tempi, perché è, al contempo, segnale di allarme che ci permette di allontanarci dai pericoli e sprone a misurarci per superarla.

Sarebbe sterminato l’elenco di film, serie tv, corti di animazione che hanno preso Halloween come tema portante. Non posso quindi che limitarmi a qualche accenno, fra le produzioni che ritengo più significative.

La leggenda della valle addormentata

Inizierei con un gioiellino del cinema di animazione Disney come La leggenda della valle addormentata (Usa, 1949), mediometraggio di una trentina di minuti tratto dal (bellissimo) racconto omonimo scritto nel 1820 da Washington Irving e diretto da un trio di maestri della bottega disneyana come Jack Kinney, Clyde Geronimi, James Algar. Dallo stesso racconto, nel 1999, Tim Burton trasse La leggenda di Sleepy Hollow, ottimo film adatto ai più grandicelli.

Nigthmare Before Christmas

Sempre Tim Burton firma, nel 1993, affidando la gran parte del lavoro di messa in scena a Henry Selick, Nigthmare Before Christmas, che è racconto natalizio con protagonista il delizioso Jack Skeleton, signore del paese di Halloween.

È presente in libreria una bella edizione molto curata.

Piccoli brividi 2 – I fantasmi di Halloween

Molto più recenti e facilmente rintracciabili , sono due divertenti lungometraggi come Piccoli brividi 2 – I fantasmi di Halloween (2018) di Ari Sandel e Hubie Halloween (2020) di Steven Brill, con Adam Sandler.

Ghosts

Infine, per concludere in musica, ricorderei Ghosts (1997) di Stan Winston, un mediometraggio che ha Michael Jackson come protagonista (sia nella parte del buono che in quella del cattivo, anche se i confini fra le due dimensioni morali sono qui davvero incerti). Non manca, ovviamente, una seconda parte ampiamente musicale con coreografie di grande suggestione. Va sottolineato che alla sceneggiatura hanno collaborato, oltre allo stesso Jackson, due scrittori di storie di paura come Mick Garris e, soprattutto, quello Stephen King che è ancora oggi l’insuperato maestro di una letteratura certamente non per bambini piccoli, ma che ha una sua grande dignità in qualità di scrittura e capacità narrative.

Buon Halloween a tutti!

ProgEdu13

Partendo dalla serie tv “Bing” una riflessione di Carlo Ridolfi sull’azione di cura educativa: un processo lento, faticoso, che può riservare agli educatori amarezze, disillusioni, senso di inadeguatezza, fino agli estremi del burn-out . Non esistono però scorciatoie o facili soluzioni buone per tutti

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